La carrera de “Licenciatura en Artes Escénicas” tiene como objetivo la formación de profesionales en artes escénica, con una sólida formación en su disciplina artística, capacidad de reflexión e investigación en la producción y representación de su arte, en diálogo con las otras manifestaciones escénicas. Valores estéticos, el compromiso con la problemática de su comunidad, la disposición al trabajo grupal y la dimensión ética de su praxis, son cualidades y actitudes que se esperan inculcar en la formación.

Objetivos específicos

1. Propiciar la adquisición de las capacidades para la creación de una obra escénica con todos sus componentes.
2. Propender al desarrollo de las capacidades propias de la dramaturgia escénica, comprendiendo y componiendo la ideación, dirección, interpretación y realización de una obra escénica.
3. Fomentar una visión comprensiva y reflexiva sobre su arte en su contexto histórico y cultural.
4. Brindar herramientas para la gestión de las diversas instancias de la creación y realización escénica trabajando en forma asociada.
5. Estimular las condiciones que permitan pensar ampliamente sobre los recursos expresivos y los diversos lenguajes de las artes vinculadas con el espectáculo.
6. Propiciar recursos para reflexionar, explorar e investigar en artes escénicas y las variantes de su interpretación.

Al término de la cursada, el egresado habrá adquirido el siguiente perfil:

Poseerá conocimientos de:

• Técnicas, lenguajes y habilidades propias de su arte y la interpretación del mismo.
• Marcos conceptuales para reflexionar sobre su disciplina artística en vínculo con otras formas escénicas del arte.
• Formación teórica y humanística que le permita una visión contextualizada de su arte y quehacer en la dinámica de su realidad local, nacional, latinoamericana e internacional.

Desarrollará capacidades y habilidades para:

• Concebir la creación del arte no sólo desde la técnica, sino desde una perspectiva integral de producción, montaje y puesta en escena.
• Diseñar y planificar programas en artes escénicas en la propia disciplina y en articulación con otras.
• Asesorar a instituciones oficiales, privadas y no gubernamentales en programación, concepción y realización de actividades artísticas escénicas.
• Exponer conceptualmente su saber-hacer en función de enriquecer las cualidades expresivas de su arte.
• Trabajar, coordinar y desarrollar actividades en forma grupal en función de la concreción de la elaboración y ejecución del arte escénico.
• Transmitir su saber y práctica en el marco privado e institucional.
• Poder explorar, investigar y producir saber y hacer en artes escénicas.

ALCANCES DEL TÍTULO

Para el título de “Licenciado/a en Artes Escénicas” se establecen los siguientes alcances:

• Crear, interpretar y producir en artes escénicas, ateniéndose a las características propias de su focalización y a su integración con otros lenguajes escénicos.
• Dirigir instituciones y organizaciones dedicadas a la proyección de acciones que contribuyan al desarrollo del arte y al mejoramiento de los vínculos entre los ciudadanos y la cultura.
• Participar en proyectos de investigación interdisciplinarios vinculados con las artes del teatro de títeres y objetos, la danza, el arte circense y las demás artes escénicas.
• Asistir, asesorar y brindar información a quienes busquen decidir y planificar políticas de desarrollo del arte escénico.
• Asesorar y realizar consultorías para instituciones y comprometidas con el arte escénico.
• Generar y gestionar emprendimientos culturales en distinto tipo de instituciones y organizaciones públicas o privadas.
• Investigar en las áreas de las artes escénicas en vínculo con otras disciplinas teóricas y prácticas.

Para el título de “Intérprete en  Artes Escénicas” se establecen los siguientes alcances:

• Interpretar las artes escénicas en todas sus dimensiones y con otros lenguajes escénicos.
• Participar en instituciones y organizaciones dedicadas a la proyección de acciones que contribuyan al desarrollo del arte y al mejoramiento de los vínculos entre los ciudadanos y la cultura.

Organización General de la Carrera

El Plan de Estudios se organiza de modo tal que el aprendizaje se estructura en una dialéctica entre “conocimiento teórico” y “práctica”, favoreciendo una profundización teórica vinculada al hecho estético que acompañe el desarrollo de la praxis escénica. Dado que existen tres formas de orientar el recorrido curricular en base a la focalización a la que se aspire, se proponen materias para la formación general, denominadas Troncales, comunes a las tres focalizaciones y materias específicas denominadas en el plan Focalizadas del Núcleo, que se explicitan a continuación del cuadro.
Cada año académico se divide en dos cuatrimestres. Al finalizar el 3º año, se alcanza el título de Intérprete en Artes Escénicas.

ESTRUCTURA DEL PLAN DE ESTUDIOS: (T: Materia Troncal)

	Unidad Curricular	Horas semanales	Horas cuatrimestrales	Correlatividades
1º AÑO
T1	Historia del Arte	4	64
	Focalizada del Núcleo	5	80
	Focalizada del Núcleo	4	64
T2	Introducción a las artes escénicas	4	64
	Focalizada del Núcleo	5	80
	Focalizada del Núcleo	4	64
T3	Cultura y sociedad	3	48
T4	Psicología del arte	4	64
	Focalizada en el núcleo	5	80
2º AÑO
T5	Música 1	4	64
	Focalizada del Núcleo	6	96
T6	Historia de las Artes Escénicas	4	64	T1
	Focalizada del Núcleo	4	64
	Focalizada del Núcleo	6	96
	Focalizada del Núcleo	4	64
	Focalizada del Núcleo	4	64
T7	Antropología Cultural	4	64	T3
T8	Música 2	4	64	T5
3º AÑO
T9	Arte y cultura en el pensamiento latinoamericano	4	64	T3
T10	Anatomía y biomecánica	4	64
	Focalizada del Núcleo	5	80
	Focalizada del Núcleo	5	80
T11	Filosofía y Estética	4	64	T7
T12	Diseño realización y Montaje 1	4	64
	Focalizada del Núcleo	5	80
T13	Producción	2	32	T2
T14	Lenguaje y dirección escénica	5	80	T2
	Intérprete en Artes Escénicas
	TOTAL CARGA HORARIA		1.856 HS
4º AÑO
T15	Gestión de proyectos	2	32	T13
T16	Diseño realización y montaje 2	4	64	T12
T17	Epistemología e Investigación en Artes Escénicas	4	64	T7, T11
	Focalizada del Núcleo	5	64
	Focalizada del Núcleo	5	80
T18	Arte y políticas sociales	2	32
T19	Taller de Trabajo final integrador		280
	Optativa 1	4	64
	Optativa 2	4	64
TOTAL CARGA HORARIA			2.600 HS RELOJ

Idiomas
Los estudiantes deberán aprobar un examen de suficiencia en competencias de lectoescritura de idioma extranjero. La UNSAM pondrá a disposición de los estudiantes cursos extracurriculares no obligatorios, preparatorios para esta prueba.

 

 

 

Focalizaciones en el Plan de Estudios
ARTES CIRCENSES (FC: Focalizada Circo)

1º año
FC1: Entrenamiento Expresivo I - 80hs
FC2: Técnicas Acrobáticas I - 80hs
FC3: Técnicas Acrobáticas aéreas I - 80hs
FC4: Danza I - 64hs
FC5: Técnicas Combinadas - 64hs
2º año
FC6: Técnicas Acrobáticas II - 96hs  Correlatividad FC2
FC7: Técnicas del Movimiento - 64hs  Correlatividad FC4
FC8: Técnicas Acrobáticas Aéreas II - 96hs  Correlatividad FC3
FC9: Laboratorio Creativo I - 64hs  Correlatividad FC2 – FC6
FC10: Actuación I - 64hs
3º año
FC11: Entrenamiento I - 80hs  Correlatividad FC1 – FC2 – FC6 – FC9
FC12: Danza II – 80hs  Correlatividad FC4 – FC7
FC13: Interpretación escénica - 80hs  Correlatividad FC1 – FC10
4º año
FC14: Entrenamiento escénico  – 64hs  Correlatividad FC1 – FC2 – FC6 – FC9 – FC11
FC15: Actuación II – 80hs  Correlatividad FC10

DANZA (FD: Focalizada Danza)

1º año
FD1: Danza Clásica I - 80hs
FD2: Danzas  Contemporáneas I- 80hs
FD3: Danza Clásica II - 80hs  Correlatividad FD1
FD4: Danzas Contemporáneas II - 80hs  Correlatividad FD2
FD5: Análisis del movimiento + Laban - 48hs  
2º año
FD6: Técnica Clásica I- 96hs  Correlatividad FD1 – FD3
FD7: Técnicas Contemporáneas I - 64hs  Correlatividad FD2 – FD4
FD8: Técnica Clásica II - 64hs  Correlatividad FD1 – FD3 – FD6
FD9: Técnica Contemporánea II - 96hs  Correlatividad FD2 – FD4 – FD7
FD10: Composición coreográfica I - 64hs
3º año
FD11: Técnica Clásica III - 80hs  Correlatividad - FD1 – FD3 - FD6 - FD8
FD12: Técnica Contemporánea III - 80hs  Correlatividad - FD2 – FD4 – FD7 – FD9
FD13: Composición coreográfica II - 80hs  Correlatividad - FD10
4º año
FD14: Composición coreográfica y estrategias creativas - 80hs  Correlatividad FD10 – FD13
FD15: Música para escena - 80hs

TÍTERES y OBJETOS (FT: Focalizada Títeres)

1ºaño
FT1: Interpretación y Dramaturgia  I- 80Hs
FT2: Técnica Vocal y Corporal I - 64 Hs
FT3: Técnica Vocal y Corporal II- 64 Hs  Correlatividad FT2
FT4: Interpretación y Dramaturgia II – 80Hs   Correlatividad FT1
FT5: Exploración y animación escultórica- 80Hs 
2º año
FT6: Interpretación y Dramaturgia III – 96Hs   Correlatividad - FT1-FT4
FT7: Técnica Vocal y Corporal III –  64 Hs  Correlatividad - FT2 – FT3
FT8: Realización y animación plástica 96Hs  Correlatividad - FT5
FT9: Integración escénica – 64 Hs  Correlatividad FT1 -  FT4
FT10: Cuerpo y representación escénica I - 64Hs  
3º año
FT11: Actuación, objeto y escena - 80 Hs
FT12: Cuerpo y representación escénica II - 80Hs  Correlatividad - FT10
FT13: Análisis y escritura teatral - 80Hs  
4º año
FT14: Puesta en escena y dirección teatral - 80Hs  Correlatividad FT9 – FT1 – FT4 – FT13
FT15: Práctica escénica – 80hs

CONTENIDOS MÍNIMOS DE LAS MATERIAS DE FORMACIÓN GENERAL  O TRONCALES:
(T= Materia Troncal, compartida por todas las focalizaciones)

 

T1: Historia del Arte
Ejes centrales de la historia del arte universal, poniendo énfasis en los contextos y las implicancias de la producción del arte en distintos momentos y su vinculación que entre ellos se pueda realizar. Aportes del mundo oriental, hasta los albores de Occidente, tanto Egipto como Grecia y luego el desarrollo del Mundo Medieval, el Renacimiento y el Mundo Moderno.

T2: Introducción a las artes escénicas
El proceso artístico como creación de un lenguaje. Las características del arte escénico. Las diversas posibilidades de entrecruzamiento de lenguajes y estilos en las artes escénicas. Concepto de escena. El lenguaje escénico como dramaturgia interpretativa. Herramientas de composición estilísticas.

T3: Cultura y Sociedad
La organización social, procesos, formas institucionales. El lazo social y la producción simbólica de los intercambios. Los sistemas culturales, las producciones culturales y su valoración. Presentación de teorías, nociones y conceptos sociológicos en su abordaje de las obras culturales, su inserción en la dinámica social y sus transposiciones entre culturas y sujetos culturales. La concepción del arte como herramienta de políticas, programas y acciones sociales.

T4: Psicología del arte
La psicología. Origen, desarrollo histórico y campo disciplinar. La condición bio-psico-socio-cultural del sujeto humano. Procesos intrasubjetivos e intersubjetivos del psiquismo individual. Principales conceptualizaciones dela psicología sobre la experiencia estética. La noción de sublimación, las condiciones psicológicas de la creación y recepción artística. La percepción, la inteligencia y la creatividad en artes desde una visión psicológica.

T5: Música I
Utilización de instrumentos de percusión para trabajar sobre nociones de ritmo, métrica, audición y reconocimiento. El compás simple, secuencias rítmicas. Nociones de “melodía”, y reconocimiento de alturas. Conceptos básicos de historia de la música, y análisis estilos a través de su audición y reconocimiento. La voz como instrumento expresivo.

T6: Historia delas Artes Escénicas
Génesis de las artes escénicas. Contextos y condicionamientos epocales para la constitución de las representaciones. Estilos y géneros en la historia occidental. El Renacimiento y las artes escénicas. Caracterización del teatro en el Mundo Moderno. Poéticas de las artes escénicas. El teatro, la danza, las artes circenses en sus contextos históricos, sus encuadres con las formas sociales y artísticas.

T7: Antropología Cultural
Estudio antropológico de temas y problemáticas de la cultura contemporánea: identidades nacionales y migraciones; multiculturalismo y globalización; religión y movimientos religiosos; deportes y prácticas corporales; consumos culturales y prácticas de distinción social; medios de comunicación y diversidad. Antropología y manifestaciones artísticas.

T8: Música II
Nociones de Ritmo y métrica; análisis y reconocimiento del compás compuesto. Secuencias rítmicas, tiempos irregulares. Melodía: audición y reconocimiento de melodías.  La producción sonora musical, la improvisación, los climas musicales en la puesta en escena. El manejo de la voz cantada y hablada. Técnicas de respiración. Volumen, matices, fraseo e interpretación.

T9: Arte y Cultura del Pensamiento Latinoamericano
Creación del arte y su reflexión desde la tradición nacional y latinoamericana. Producción artística europea y criterios forjados de nuestra propia experiencia y la forma de concebir este pasado y presente. Herencia europea e identidades locales.

T10: Anatomía y biomecánica
Conocimiento del propio cuerpo. Cuidados. Reconocimiento del sistema anatómico en su integridad. Sistema de equilibrio dinámico: nociones de osteología: constitución, clasificación, ubicación, palpación y funciones. La columna vertebral, anatomía, fisiología y patologías.

T11: Filosofía y Estética
Los conceptos de la tradición filosófica vinculados al arte: mímesis, poiesis y catarsis en la tradición griega. La noción de tekné griega y ars medieval. Lo bello y lo sublime en el arte. La estética como reflexión autónoma del estatuto del arte. Romanticismo, idealismo y clasicismo en el arte. La crisis de la representación en el arte contemporáneo a la luz de las obras escénicas.

T12: Diseño, realización y montaje I
Técnicas, recursos y dispositivos para la realización de una obra escénica, mecanismos para llevar a escena una producción desde su dramaturgia. Los procesos para contener espacialmente la dinámica de la obra en sus aspectos físicos y técnicos.
El espacio; el sentido visual, la percepción a través de la acción. Determinación de planos y volúmenes. La perspectiva. El espacio escénico; elementos básicos, nomenclatura. Distintos espacios teatrales: abiertos, cerrados, circular, teatro a la italiana. Luminotecnia: artefactos, nomenclatura. La relación de la luz y el color con la coreografía; climas y efectos. Diseño de luces y confección de plantas. La escenoarquitectura: diseño y realización. Evolución histórica. Técnicas escenográficas. Relación de la escenografía con la coreografías.

T13: Producción
Conocimientos y herramientas conceptuales de las estrategias y las formas operativas básicas para la planificación, gestión y desarrollo que permitan la concreción de proyectos y actividades culturales de todo tipo, tanto del ámbito público como privado. Proyecto, estrategia y planificación, plan de implementación y programación, recursos humanos y financieros, comunicación y marketing.

T15: Gestión de proyectos
Fundamentos para concebir y desarrollar un proyecto de producción cultural. Formas de presentación de proyectos. Estudio de mercados nacionales e internacionales del arte y en particular de las artes escénicas. Mercado de proyectos: alternativas de comercialización de las obras escénicas. Fundraising. Procesos de financiamiento y presentación de carpetas de producción.

T16: Diseño, realización y montaje II
Introducción de las herramientas y conocimientos básicos para la realización escénica que incluye la formación y aprendizaje sobre elementos artesanales y electrónicos aplicados a la escenografía. Criterios estéticos y técnicos para la confección de vestuarios y su vinculación con la dramaturgia escénica. El maquillaje como herramienta artística aplicado tanto a la configuración de la representación actoral como de la puesta en escena.

T17: Epistemología e Investigación en Artes Escénicas
La fundamentación gnoseológica de las artes. El arte como forma de conocimiento y el saber sobre las artes escénicas. Abordajes epistemológicos sobre el arte escénico. Epistemología y semiótica del proceso artístico en relación a la escena. La autonomía del saber y hacer artístico. Paradigmas de las artes escénicas. Las formas simbólicas como recursos epistemológicos para el reconocimiento de las expresiones artísticas. Presentación y aplicación de recursos de investigación en artes escénicas, la investigación desde la acción, la interacción y la producción escénica. Recursos de formalización de los saberes prácticos a teóricos, transpolaciones de saberes de distintos campos de la creación escénica. Investigación del cuerpo en escena, de la puesta y representación como objetos de estudio.

T18: Arte y políticas sociales
El arte como herramienta de políticas, programas y acciones sociales. El rol de la expresión artística como operador simbólico y social. La inserción del artista en el entramado social desde la dinámica y valores propios la comunidad. La confección de propuestas de carácter artístico en las políticas públicas y en la gestión comunitaria.

T19: Taller de Trabajo Final Integrador
A partir de la focalización desarrollada, el Taller de Trabajo Final Integrador será el espacio de reflexión, ideación, producción y puesta del saber experiencial consolidado durante la formación, articulando los aportes teóricos como soportes conceptuales de la expresión escénica lograda con los recursos expresivos. El Taller contempla un sistema de créditos para cumplimentar seminarios de hasta 100hs ofrecidos dentro y fuera de la UNSAM.

Optativas I y II
Se establecen dos asignaciones de cursada que los estudiantes podrán elegir según su opción y que aporten conocimiento a su formación en cualquier unidad académica y carrera de la UNSAM, generando así una configuración particular en el perfil de su egreso.

Idiomas

  

CONTENIDOS MÍNIMOS DE MATERIAS FOCALIZADAS DE CADA NÚCLEO:

ARTES CIRCENSES (FC= Focalizada Circo)

FC1: Entrenamiento expresivo I
Canales de comunicación (Ruido, sonido, palabra, gesto, acción y movimiento). Utilización del espacio Las líneas del espacio escénico. Gimnasia de estilo (Ondulaciones, inclinaciones, rotaciones). Motores corporales. Coordinación y disociación. Calidades y velocidades de movimiento. Construcción de personajes (Los cuatro elementos. Animales. Ser entre dos). Observación, imitación, exageración y contagio. Estado de disponibilidad. Juegos escénicos. El cuerpo como instrumento rítmico. Transformación del objeto. Transformación del cuerpo en un objeto. Gags. Estados de ánimo y emociones. Desestructuración y transformación del cuerpo. Energías. Entrenamiento rítmico corporal. El objeto como extensión del instrumento. Destrezas corporales. Vínculos y conflictos físicos. El circo como lenguaje expresivo.

FC2: Técnicas Acrobáticas I
Introducción de las capacidades que permitan adquirir soltura en el movimiento aplicando la tensión mínima necesaria y utilizando la energía justa. Fortalecimiento de la capacidad de apoyo sobre miembros superiores. Desarrollo el dominio de las rotaciones sobre ejes propios en diferentes situaciones, direcciones y espacios. Apertura y despliegue a partir de la columna vertebral y su proyección hacia el espacio.
Desarrollo de la agilidad, la fuerza y la flexibilidad. Aumento la capacidad de despegue del suelo y ejercitar distintos tipos de llegada al mismo. Organización y dominio del cuerpo en el espacio. Potenciación de la coordinación. Preparación del cuerpo y la mente para un entrenamiento intenso.

FC3: Técnicas Acrobáticas Aéreas I
Maneras de trepar, equilibrios, balanzas y posturas de fuerza. Escapes y deslizadas. Exploración de diversos aparatos-espacios. Preparación física (fuerza y elongación). Aprendizaje de figuras, escapes, e inversiones, Enlaces (en movimiento y de mayor dificultad), Series. Técnicas de Trapecio a vuelo, trapecio de dúo, Palo chino: técnica y  recursos expresivos.

FC4: Danza I
La Conciencia corporal. El peso y la relación del cuerpo con la gravedad. Percepción  Kinestésica. Información sensorial. Tono  muscular. El punto de contacto. Conciencia del centro de gravedad en el cuerpo. Recursos técnicos. Patrones de movimiento. Relación Centro / Periferia.

FC5: Técnicas combinadas
Exploración y aprendizaje de variadas técnicas del arte circense: Malabares con bolas, clavas, diábolo, manipulación de objetos circenses, trabajos de equilibrio individual y grupal. Articulaciones entre acrobacia y técnicas de manipulación de elementos, capacidades expresivas en escena diversas.

FC6: Técnicas Acrobáticas II
Intensificar la ejercitación aplicando creativamente lo adquirido. Tomar conciencia del desarrollo y la evolución de esta disciplina a través de la historia. Aprender a decodificar los conceptos intervinientes en la disciplina. Transpolación a otros espacios. Técnicas acrobáticas con la utilización del soporte de las manos. Maneras de abordar, de permanecer y desembarcar., manejo de los pesos y corrección de soportes y líneas de apoyo. Equilibrios, contrapesos, pasajes, arrojadas.

FC7: Técnicas del Movimiento
La información sensorial. La entrega y recuperación del peso. El manejo del centro del cuerpo. La utilización de los reflejos. El uso del “momentum” (impulso). El juego con el equilibrio y la gravedad. El uso del espacio. La caída, el salto y la recuperación. La percepción.
La Improvisación. El desarrollo de la creatividad. La desarticulación de aquello que se vuelve estereotipado y automatizado. El espacio, el tiempo y las calidades de movimiento en la danza de contacto. Caminos nuevos para el propio movimiento y para la danza en el solo, dúos, tríos, etc.

FC8: Técnicas Acrobáticas Aéreas II
Profundización en todos los aparatos y dispositivos transitados. Intensificación de los ejercicios físicos y de elongación específicos. Movimientos, figuras y series en función de una intención expresiva. Integración de las técnicas acrobáticas aprehendidas, orientando la práctica a su perfeccionamiento y a la integración escénica de los recursos. Apropiación consciente del desarrollo y la evolución de esta disciplina a través de la historia. Series y rutinas en relación a una temática escénica.

FC9: Laboratorio creativo I
Experimentación creativa a partir de premisas diversas que apuntan a estimular la búsqueda poética personal. Trabajo antropológico personal. Escenas multidisciplinarias. Exploración a partir del texto. Realización de video clip.  Trabajo con grandes objetos. Exploración partiendo de un estímulo sonoro o musical. Emulación de número clásicos. Exploración y composición en un estímulo arquitectónico.

FC10: Actuación I
Introducción de las técnicas de actuación, manejo de los recursos de improvisación a partir de estímulos de imágenes, de recursos textuales y de situación. Las técnicas teatrales vinculadas al circo: mimo, clown. Recursos físicos y escénicos. El relato presentado con recursos actorales.

FC11: Entrenamiento I
Profundizar las condiciones físicas, el manejo consciente del esfuerzo y disposición física. Apropiación de las técnicas correlación de movimientos. Desarrollar las capacidades personales en rutinas creativas y puestas en escena, tanto grupales como individuales.
Recursos individuales y trabajos en dúo y grupales. Armado de secuencias. Posturas y manejo de reflejos y movimientos coordinados.

FC12: Danza II
Técnicas de Improvisación en la danza contemporánea. Introducción de las técnicas y estilos de las danzas populares argentinas (tango, milonga, murga, folklore) y aplicación creativa en la puesta en escena circense. Exploración del entrecruzamiento de géneros desde una concepción creativa, estrategias de abordaje del movimiento como recurso dramatúrgico y expresivo.

FC13: Interpretación escénica
El proceso teatral desde los recursos dramatúrgicos. Presentación del teatro físico y de acción. La traslación del texto a la escena. Recursos individuales y grupales de la ficción teatral. El concepto de máquina teatral. Técnicas expresivas con máscaras. La creación del personaje como estructura expresiva.

FC14: Entrenamiento escénico
Canales de comunicación (Ruido, sonido, palabra, gesto, acción y movimiento). Utilización del espacio (Utilización de las líneas del espacio escénico. Utilización de  espacios escénicos no convencionales). Gimnasia de estilo (Ondulaciones, inclinaciones, rotaciones). Motores corporales. Coordinación y disociación. Calidades y velocidades de movimiento. Construcción de personajes (Los cuatro elementos. Animales. Ser entre dos). Observación, imitación, exageración y contagio. Estado de disponibilidad. Juegos. El cuerpo como instrumento rítmico. Transformación de un objeto. Transformación del cuerpo en un objeto. Gags. Estados de ánimo y emociones.

FC15: Actuación II
La comedia del arte y su dinámica de transposición circense. Los estilos del teatro, géneros y caracterizaciones del teatro aplicados al arte circense. Producción de escenas teatrales en estilo circense de textos dramatúrgicos. El trabajo individual, en dúos y grupal de las escenas teatrales. Aplicación de los recursos circenses en el texto y contexto dramatúrgico. El dispositivo vocal en la dinámica actoral.

 

DANZA (FD= Focalizada Danza)

FD1: Danza Clásica I
Esta materia desarrollará los aspectos fundamentales de la técnica clásica de la danza: desarrollo de la colocación corporal, conocimiento y ejecución correcta de todas las posiciones fundamentales de pies y brazos, y también las diferentes posiciones del cuerpo en el espacio. Deberán poder realizar  secuencias relativamente sencillas  sin y con desplazamiento, mantener  un buen balance en el Adagio, realizar giros y  manejen con soltura pequeños y grandes saltos básicos.

FD2: Danzas Contemporáneas I
El conocimiento del lenguaje de la danza contemporánea y sus diversas escuelas es indispensable para un posterior desempeño del alumno como intérprete, docente, o coreógrafo.  Trabajo de Ashtanga Yoga para focalizar  sobre la  flexibilidad y  fuerza muscular y agudizar la conciencia y percepción de nuestro cuerpo en el espacio, el alineamiento óseo y la escucha de la respiración. Presentación de las técnicas Horton y Cunningham. Coordinación, el equilibrio, el desarrollo del tono muscular y la velocidad.

FD3: Danza clásica II
Profundización y complejización de las técnicas y estilos desarrollados en el primer nivel e incorporación de nuevos desafíos técnicos. La utilización de las diferentes posiciones del cuerpo en función de la utilización en secuencias de pasos básicos con y sin desplazamiento. Adagio, giros, saltos pequeños de mayor complejidad y salto grandes.

FD4: Danzas Contemporáneas II
Refuerzo y repaso del programa del primer cuatrimestre de técnicas contemporáneas combinadas. La técnica “release”  profundizará sobre el trabajo articular de las extremidades. Se trabajará sobre la proyección del movimiento, y  la mirada.  El movimiento impulsado con distintas partes del cuerpo. El concepto de “Pecho al techo”, las contracciones fuera de eje, las cuartas en el piso y la ejecución de triples por tombé, girados y saltados, simples y compuestos. También el  trabajo con la música, percepción del pulso, cambio de acentuación y velocidad , amerita especial importancia ya en esta etapa de formación, así como también el cuidado en las calidades de movimiento, curvas y torsiones.

FD5: Análisis del movimiento + Laban
Identifica, analiza y problematiza conceptos de análisis de la expresión y representación del cuerpo y el movimiento. Estudia la relación entre movimiento, energía, pulsión, libido; sus manifestaciones en la danza libre centroeuropea y en la danza moderna americana de comienzos del siglo XX. Teoría Laban, el sistema de análisis y notación del movimiento. La Coreútica: el uso racional del espacio y el cuerpo del bailarín en la dinámica espacial. El icosaedro: exploración, reconstrucción, observación y análisis. Espacio, tiempo y gesto dinámico: presupuestos teóricos y fundamentos estéticos

FD6: Técnica clásica I
Se profundiza el trabajo realizado en el primer año a los que  se suman nuevas exigencias y destrezas técnicas y de estilo. Mayor complejidad en las secuencias de ejercicios, en esta etapa se busca la  coordinación, la  musicalidad  y la calidad en la ejecución del movimiento.

FD7: Técnicas Contemporáneas I
Refuerzo y repaso del programa del primer año y abordaje a otras  técnicas contemporáneas: Graham, FlyingLow. Trabajo con secuencias con pasajes por el piso, rodadas, deslizadas e inversiones. El Equilibrios, fuera de eje, caídas. Giros complejos iniciados desde distintas partes del cuerpo. Saltos chicos y grandes. Trabajo de a dos para experimentar peso y apoyos. Secuencias coreográficas con compases compuestos e irregulares.

FD8: Técnica clásica II
Perfeccionamiento en la ejecución de los movimientos, considerando no solo los aspectos técnicos sino también la calidad interpretativa del  ejecutante. Clase profesional, que comprende ejercicios en la barra y ejercicios en el centro: adagio, petit allegro, vals, allegro, grand vals.

FD9: Técnicas Contemporáneas II
La disociación corporal y musical. La realización de secuencias complejas que incluyan dinámicas, calidades diversos y saltos, giros y la utilización del piso en caídas y rodadas, el trabajo fuera de eje, giros en distintas direcciones e impulsados por distintas partes del cuerpo. El empleo del cuerpo del compañero, manipulación e interacción con el otro.

FD10: Composición  coreográfica I
Se brindarán los conocimientos teóricos y prácticos  vinculados a la construcción de una frase de movimiento, análisis de  tipos de movimientos, el movimiento focalizado. La unidad de movimiento. Las fuentes de temática. El Espacio: direcciones, grilla, diagonales, planos, puntos del espacio escénico, línea sagital, salidas y entradas, consecutividad, simultaneidad y yuxtaposición.

FD11: Técnica clásica III
Se profundiza el trabajo realizado en el primer año a los que  se suman nuevas exigencias y destrezas técnicas y de estilo. Mayor complejidad en las secuencias de ejercicios, en esta etapa se busca la  coordinación, la  musicalidad  y la calidad en la ejecución del movimiento. Barra completa: combinaciones de complejidad ascendente. Centro: mayor complejidad en las secuencias de ejercicios, en esta etapa se busca la  coordinación, la  musicalidad  y la calidad en la ejecución del movimiento

FD12: Técnicas  Contemporáneas III
Trabajo con secuencias con pasajes por el piso, rodadas, deslizadas e inversiones. El Equilibrio, fuera de eje, caídas. Giros complejos iniciados desde distintas partes del cuerpo. Saltos chicos y grandes. Trabajo de a dos para experimentar peso y apoyos. Secuencias coreográficas con compases compuestos e irregulares. la regulación del tono muscular, la alineación postural, la entrega de peso y rechazo del peso en contra del suelo, los momento de aterrizaje y despegue del piso, las direcciones en el espacio, los motores del cuerpo que inician el movimiento y las calidades y dinámicas.

FD13: Composición coreográfica II 
Conocimientos teóricos y prácticos  vinculados a la construcción de una frase de movimiento. La unidad de movimiento. Las fuentes de temática. El Espacio: direcciones, grilla, diagonales, planos, puntos del espacio escénico, línea sagital, salidas y entradas, consecutividad, simultaneidad y yuxtaposición. Se constituye como un espacio de experimentación, donde crear puentes entre las áreas técnicas y creativas que intervienen en la composición coreográfica, focalizando el entrenamiento del alumno en el rol del coreógrafo. Los dispositivos tecnológicos aplicados a la danza.

FD14: Composición coreográfica y Estrategias creativas
Estrategias teóricas y recursos performáticos para reflexionar, descubrir, reconocer y poner en juego  potencialidades de la propia creatividad y sus procesos. Heurística de las estrategias para la activación, reconocimiento y organización de la propia creatividad, enfocada hacia la comprensión del registro multidimensional de la creación. La puesta en juego de sentido, el reconocimiento y desarrollo del elemento lúdico en el arte, el cuerpo poético y la composición de propias cartografías en el abordaje de procesos coreográficos.

FD15: Música para escena
Aspectos musicales en el proceso creador en danza. La formación musical del coreógrafo desde la puesta en escena y de desde la dramaturgia creativa. Los usos sonoros en la escena concebidos en la integración de lenguajes junto al movimiento, el vestuario y la escenografía. Reconocimiento y práctica de escuelas, géneros y formas musicales para su análisis y montaje el análisis de la palabra y el gesto en el mundo sonoro de la escena. La danza integrada al canto, la melodía y el ritmo.

TEATRO DE TÍTERES Y OBJETOS (FT= Focalizada Títeres)

FT1: Interpretación y dramaturgia I
Definiciones y conceptos de títere así como la ubicación histórica de su quehacer. Su relación con otras artes. Del hecho ritual al hecho artístico. Arquitectura del cuerpo del intérprete. Equilibrio, apoyo y tensión dinámica. Respiración. Análisis del movimiento. Relajación-tensión. Correspondencias. Conceptos introductorios a los alumnos la noción de Dramaturgia Escénica. Presentación de los criterios básicos del trabajo sobre el texto en la escena, según las pertinencias de la dramaturgia contemporánea. La condición de la narrativa en su puesta en escena de acuerdo a la actividad teatral actual y su ruptura de fronteras entre los miembros del proceso creativo.

FT2: Técnica Vocal y Corporal I
Presentación de las herramientas técnicas que permiten poner el cuerpo en movimiento en el espacio y en relación a un objeto. Introducción de los aspectos que permitan un reconocimiento consciente de huesos, músculos, conexiones internas y respiración, el trabajo  propone favorecer la conciencia del movimiento. Desarrollo de su potencial creativo a través de la ampliación de sus capacidades vocales-expresivas. Trabajo sobre la dinámica respiratoria, corporal y articulatoria y su relación con la voz-palabra aspirando al logro de una emisión sin esfuerzo y con máximo rendimiento.

FT3: Técnica Vocal y Corporal II
Trabajo para la emisión vocal más libre y rica a través de la integración del gesto respiratorio, la sensación y la imaginación con la articulación. Recursos para intensificar la habilidad para relacionarse con la palabra a través de la cualidad del sonido y la voz y de los niveles de energía implicados. Intensificación del proceso de aprendizaje de la técnica corporal a fin de permitir el acceso a canales más profundos de comodidad y de fuerza para concretar un mejor manejo de dimensión espacial en la experiencia motriz de la manipulación de objetos.

FT4: Interpretación y dramaturgia II
Entrenamiento y herramientas para el actor. Improvisación y composición de personaje. Trabajo corporal del actor. Técnica de enraizamiento. Contracción y relajación. Respiración. Desplazamiento escénico. Trabajo de una escena y el proceso para su realización desde un texto disparador hacia ella. Trabajo sobre la explorarán de las condiciones de creación dramatúrgica en escena, tanto en lo referente a la creación de personajes y sus peripecias así como a la tensión dramática pertinente. Herramientas para la producción del guion y de la improvisación en escena, articulando las capacidades expresivas de la imagen, el movimiento y la palabra.

FT5: Exploración y animación escultórica
Ejercicios de investigación y experimentación para el descubrimiento de los distintos elementos plásticos que intervienen en la creación de la figura títere y del espacio escénico (materia, forma, color, luz, composición, espacio). Criterios para la recreación del títere con una visión analítica y renovadora de conceptos en un arte donde convive tradición y vanguardia. La ejercitación corporal en función de la combinación de brazos y de manos para adquirir habilidades en la manipulación de las diversas técnicas. Experimentación con diferentes materiales: telas, papel, objetos cotidianos, etc. Animación de la materia inmóvil.

FT6: Interpretación y Dramaturgia III
La producción interpretativo a través de disparadores emocionales, de imágenes y textos. La interpretación y el juego de roles en la utilización de diferentes objetos. La vinculación escénica entre actores en proceso interpretativo. Trabajo con elementos de escritura, creación de escenas, personajes y tensiones dramáticas, focalizados en función de la recepción de la obra. Técnicas y procesos creativos de la dramaturgia.

FT7: Técnica Vocal y Corporal III
En esta instancia el trabajo sobre la voz focalizará en el trabajo sobre la resonancia tonal (graves, medios y agudos), el reconocimiento y el uso expresivo de los resonadores: pelvis, pecho, cabeza (rino-faringe nariz y cráneo). Se trabajará sobre los distintos usos de la potencia y proyección vocal.Se trabajará sobre la utilización de la palabra como expresión del impulso corporal y como recurso del manejo del espacio. Voz y movimiento. Exploración de la voz en diferentes posturas. Exploración de la palabra y del texto desde la sonoridad, la dicción y la intención. Primeras exploraciones rítmicas y del unísono.Exploración de la presencia del cuerpo en el espacio escénico a través de técnicas de entrenamiento, incluyendo elementos de pantomima, manejo de malabares, de acrobacia. Recursos en función de lograr una adecuada utilización del cuerpo para expresar la estética del manejo del títere.

FT8: Realización y Animación plástica
Ejercicios rítmicos, coordinación y de disociación. Títeres improvisados, títeres de guante y títeres de mesa. Manejo del espacio, la escenografía como recursos de referencia para la animación. Trabajos con textos sobre la dinámica de la animación. Recursos de animación en función del antropomorfismo del objeto. Trabajos grupales e individuales de producción de ejercicios cortos utilizando las técnicas nombradas. Nivel compositivo de las formas estéticas que  albergan en los materiales. Aspectos dinámicos, estáticos, simétricos y asimétricos así como el equilibrio oculto de la materia como instancia iniciadora del manejo del títere.

FT9: Integración escénica
Integración personal a partir de estrategias vinculadas a autores dramáticos que inspiran la creación de estéticas acordes a la inquietud propia de creación. Coordinación y análisis de la evolución de los alumnos en áreas de Interpretación. Técnicas de animación, uso de la voz, etc.,  así como la dinámica grupal que se genera a los efectos de llevar a cabo las prácticas específicas. La interpretación en la puesta en escena. La interacción del manejo del objeto, la inserción de la dramaturgia, el trabajo sobre el texto y la creación de personajes. El vínculo de la interpretación con las necesidades escenográficas y luminotécnicas. Trabajo sobre interpretación de obras propias.

FT10: Cuerpo y Representación escénica I
La formación de la técnica corporal para investigar y generar la apropiación del cuerpo en su dinámica expresiva en la escena del teatro de títeres, concibiendo su aplicación en la puesta en escena. Recursos para la adecuación del movimiento corporal a la condición expresiva de la emoción y el concepto estético del títere.

FT11: Actuación, Objeto y Escena
El cuerpo como satélite. Translación entre espacios. Silencios, ritmo y tiempo interno en secuencias de movimiento. Punto fijo. Plano fijo. Lo inerte, lo viviente. El intérprete como material. Desestructuración y metamorfosis del cuerpo y el objeto en escena. El objeto y su función dramática. El sistema de signos en el títere. El vínculo entre el intérprete y el material. Transferencia, objetivación, disociación y gestualidad. El impulso interior. Alegoría, metáfora y metonimia de la imagen objetual en movimiento.

FT12: Cuerpo y Representación escénica II
Desarrollo de la representación teatral en títeres y objetos, desde el movimiento, la gesticulación y el ritmo corporal como técnicas aplicadas a la creación de una obra escénica. Aplicación de los saberes y técnicas corporales para la creación de personajes y la interacción entre actores y personajes.

FT13: Análisis y Escritura teatral
Reflexión sobre obras de teatro a través del análisis de sus componentes escénicos, dramatúrgicos, de animación e interpretación. Aplicación de la reflexión para el propio trabajo creativo. Comprensión de los mecanismos de realización de obra y su puesta. Escritura y adaptación de textos propios y ajenos a partir de imágenes y otros disparadores. Trabajo sobre técnicas de iniciación a la escritura como técnica y al relato como proceso. La creación de personajes y el trabajo argumental.

FT14: Puesta en Escena y Dirección Teatral
Trabajo de creación desde el proceso de composición dramática a partir de la composición escénica, enfatizando la dinámica creativa, integrando los elementos lumínicos, sonoros, escenográficos de actuación e interpretación con títeres y objetos. Trabajo grupal de articulación de las capacidades individuales. Concepción, trasposición y puesta en escena de una obra de objetos.

FT15: Práctica escénica
Aplicación y apropiación de los recursos de animación, de composición plástica, de los recursos interpretativos, dramatúrgicos y de trasposición escénica. Trabajos individuales y grupales en la práctica teatral con objetos, articulación interpretativa y manejo de habilidades y capacidades propias y compartidas.

Director de la focalización en Danza: David Señoran

Director de la focalización en Artes Circenses: Gerardo Hochman

Director de la focalización Teatro de Títeres y Objetos: Javier Swedzky

Formulario de Preinscripción hacé clic aquí

Focalización en Teatro de Títeres y objetos
Prórroga de inscripción hasta el 20 de octubre

Los alumnos deberán:

• Cumplir las normas de asistencia y promoción establecidas en el Reglamento General de Alumnos de la Universidad Nacional de San Martín.
• Aprobar las evaluaciones correspondientes de las asignaturas en la especificidad que implica el reconocimiento del saber experiencial de las artes escénicas.

Servicios Académicos
Lunes a viernes de 8 a 13 y de 14 a 20 h
serviciosacademicos.eayp@unsam.edu.ar
4006-1500 int. 2204 / 2205